P I E Z A S

2011-06-14T10:35:00.000-07:00

"ESTO NO ES REAL" ESTÁ BASADA EN TRES ENTREVISTAS REALES REALIZADAS POR LA PERIODISTA CATALINA MENA. ESTAS CRUDAS ENTREVISTAS SON EL TESTIMONIO DE LOS PROBLEMAS DE TRES MUJERES CHILENAS Y DE UNA SOCIEDAD CONTEMPORÁNEA, COMO LO SON EL VIH, EL ABUSO DE MENORES Y LA DISCRIMINACIÓN POR DISCAPACIDAD. LA PIEZA TOMA COMO EJE ESTAS ENTREVISTAS Y CUESTIONA DESDE DISTINTOS PUNTOS DE VISTA LA REALIDAD, EL REAL, LA FICCIÓN EN EL TEATRO Y LA PUESTA EN ESCENA. COMO TAMBIÉN NUESTRA TOLERANCIA Y HONESTINIDAD FRENTE A ESTOS TEMAS Y NUESTRA RELACIÓN COMO CREADORES Y ESPECTADORES CON EL HACER TEATRAL. UNA PIEZA QUE CUENTA CON 16 PERFORMERS EN ESCENA Y LA VISUALIDAD DE UN EQUIPO DE DISEÑADORES.

3 DIMENSIONES DE UN SOLO

2011-03-16T22:25:00.000-07:00

Espectáculo de danza generado a partir de 3 instructivos (espaciales, de movimiento y acción) que crean la coreografía. En la pieza participan 3 bailarines, quienes son desafiados a través de acciones concretas compuestas y articuladas con materiales audiovisuales, sonoros y objetuales, dentro de distintos estilos de danza, a sostener una experiencia honesta que invite a la audiencia a relacionarse y construir el sentido de la obra. La pieza son 3 "no solos" de danza de alta exigencia física y técnica, que lleva a los intérpretes a un estado de exposición total en escena, que buscan generar un espacio vivo, en donde se comparte con el público. Existen elementos estilísticos en la propia dirección que conforman el espectáculo: la ironía, el humor, los afectos, la generosidad y la vulnerabilidad de la experiencia con el público y del propio intérprete, poniendo como eje central al cuerpo como evidencia del juego con la profundidad y superficialidad de las ideas.

Coreografía y dirección: Sergio Valenzuela Valdés
Creación e Interpretación: Alvaro González, Julio Cerda y Sebastián Ruiz.
Música: Miguel Torreblanca
Dirección de Arte: Diego Rojas
Realización: Margarita Valdés
Producción: Consuelo Walker
Registro: Francisca Gleiser

3 NO SOLOS from sergio valenzuela valdes on Vimeo.

proceso en:
MAKING 3D -BLOG

EL EMPERADOR DE LA PÉRDIDA

2010-11-30T09:03:00.000-08:00

FESTIVAL FABRE Curado por Marietta Santi y financiado por Finsi Terrae y Fondart 2010. El emperador de la pérdida son 5 versiones distintas de este texto.

Para esto se convoca a un equipo de artistas de diferentes disciplinas a discutir sobre Fabre y este monólogo. Como estrategia, el propio director se utiliza como ejecutor y el monólogo se fragmenta en 5 personalidades: autor, ser humano, actor, personaje y comediante. El resultado son 5 performance que trabajan con: la ironía, el humor, el terror, los elementos sobrantes, el fracaso, lo incognito, la incertidumbre, la vanidad, el caos, el boicot, el pudor, la apariencia, la identidad y el miedo.

Sergio Valenzuela Valdés.

Dirección y ejecución

Judicta Marinkovic Alday

Asistente de Dirección.

Miguel Torreblanca.

Músico.

Equipo artístico de discusión
Rodrigo Tisi

Javiera Peón-Veiga

Paula Aros

Brisa Muñoz
Juditca Marinkovic Alday - Sergio Valenzuela

Jose Miguel Carrasco

Registro y Fotografía.

Diego Rojas

Producción en diseño integral

Margarita Valdés
Realización y vestuario.

Emilio Sepúlveda
Marcos González
Roberto Toro

Intérpretes invitados

Jaime del Val
Ale Cosin
Artistas invitados

Emperador de la perdida from sergio valenzuela valdes on Vimeo.

PROCESO EN :
PERDIDA 2010 BLOG

2010-09-29T11:39:00.000-07:00

EJECUTANDO

Este proyecto es un colaborativo entre Javiera Peón-Veiga y Sergio Valenzuela Valdés. El trabajo se origina a partir de la estructura que propone el libro “Albinus on Anatomy” tomando palabras de los nueve capítulos de éste para generar una traducción en el cuerpo. Cada capítulo o partes de la obra funcionan como unidades que hacen referencia a diferentes partes del cuerpo que son trabajadas como un universo independiente. Ejecutando intenta encontrar un juego entre el sentido de palabras tomadas del texto interpretándolas como posibles arquitecturas quinéticas, terminología que se transforma en acciones corporales y situaciones de movimiento.

Dirección e interpretación: Javiera Peon-Veiga y Sergio Valenzuela Valdés

HOMBRA
PROYECTO TRANSDISCIPLINARIO

"El proyecto Hombra se inscribe dentro de la transdiciplina artística, que busca comunicar ideas que se enmarcan en el pensamiento transversal. Por medio de Hombra se exhibe el cuerpo limitado, sellado y domesticado del pasado, frente al cuerpo expuesto y feminizado del futuro. Se comunican reflexiones respecto del género masculino y su identidad en un contexto local. La metodología de Hombra consiste en una experiencia de composición instantánea o composición asociativa de ideas, intervenida por la dramaturgia física dada por el texto del propio director, que permite la lectura de la palabra en un soporte corporal y performático, donde los afectos surgen en el espectador y no en los performers, componiendo in situ y arriesgando lo real a la imagen para que quede disponible en un nuevo lugar a componer dia a día en escena. La pieza no supone como respuestas las preguntas planteadas desde el texto, ello porque la pieza es la exhibición del proceso de creación, por lo que la puesta en escena es la exhibición de la construcción de armar y desarmar la pieza, constituyendo a la puesta en escena como parte de los posibles resultados de la obra". Curi Maririnkovic.

Creación y Performance: Javiera Peón - Veiga, Isabel Torres, Aische schwarz, Paulina Vielma, Sebastián Jatz Rawicz, Nicolás Grum, Eyal Meyer y Sergio Valenzuela Valdés
Teóricos en escena: Mauricio Barria, Claudio Garvizo, Marco Espinoza y Andrés Grumann
Diseño web y gráfico: Alejandra Jorquera
Diseño postales y afiche: Jorge Vargas
Asistencia Metodológica: Curi Marinkovic
Dirección y Concepto: Sergio Valenzuela Valdés

Fotografía: Jose Miguel Carrasco

Fotografía: Augusto Domínguez

PROCESO EN:

MAKING HOMBRA-BLOG

SERGIO VALENZUELA

2010-03-04T12:46:00.000-08:00

Pieza de 15 minutos, elaborada a partir del instructivo "Manual 1", presentado en Goethe institut. Las ideas abordadas en su escenificación se relacionan y componen asociativamente en vivo a partir del instructivo leído por el actor Eyal Meyer. El humor, la ironía, la frustación y la falla, son algunos elementos desarrollados como obstáculos o consignas de composición al momento de ejecutar la pieza. No hay un intento por abordar exactamente el instructivo sino que componer con las ideas y elementos (musica, espacio, vestuario) planificadas previamente, cumpliendo con los objetivos concretos de cada acción a realizar.

dirección: Sergio Valenzuela.
Intérpretes: Eyal Meyer y Sergio Valenzuela.

ACCIONES CON OBEJTIVO EN TIEMPO REAL

Manuales aparece desde un cuestionamiento sobre el flujo de información entre personas de diferentes areas o disciplinas escénicas y las metodologías de creación. A partir de un instructivo un cuerpo es sometido a diferentes acciones dentro de un espacio y tiempo. Esos elementos son los que toman diferentes creadores como punto de partida de las diferentes versions de un mismo instructivo. Idea que podemos relacionar con exposiciones como “Do it” o con las metodologías escriturales del español José Sanchis Siniterra. Podríamos decir que Manuales intenta generar nuevas autorias a partir de un intento de eliminar al primer autor o poniendo en cuestionamiento su valor.

Manuales son tres instructivos de performance, que aparecen desde un possible director o coreografo indicando a una persona las acciones que debe realizar en un espacio escénico formal. Desde ahi, se intenta ironizar sobre ciertos clichés de la escena, como el tiempo, la expresión o el gesto, el contenido y lo contingente.

Manual 1 y 2: Aca encontramos dos versiones en exhibición realizadas en Amnsesia y Espacio Arte Nimiku. Son piezas no ensayadas, para lograr su realización en tiempo real frente a un sujeto, a pesar de esto hay lineas conceptuales acordadas y acciones preparadas antes de la presentación como imágenes que hacen de soporte estructural o mapa corporal de la pieza.

Manual 1
Concepto y texto: Sergio Valenzuela
Creación y performance Manual 1: Tatiana Pérez y Sergio Valenzuela
Voz: Sergio Valenzuela
Paisaje Sonoro: Maria Callas y Flash Dance.

Manual 2
Concepto y texto: Sergio Valenzuela
Creación y performance Manual 1: Marcela Santander, Eyal Meyer y Sergio Valenzuela
Paisaje Sonoro: Artimiev. Solaris.
Video: Merce Cunningham

2010-03-04T09:47:00.001-08:00

AFECTO
45 min. aprox.

Los afectos se regulan fundamentalmente no por el sistema de costumbres, sino por normas (normas éticas). Es decir, que el trabajo de contención de algunos afectos puede existir para que no desemboquen en sentimientos prohibidos o fuera de contexto normativo. Somos responsables de nuestras emociones y de cierta manera sentir es algo que no nos es permitido constantemente. Sentir significa estar implicado en algo, es estar involucrado con un pensamiento o ideología, ya que mis afectos pueden violar la ética impuesta, finalmente aceptamos convivir en ciertas normas y nuestros afectos se adecuan a él.

Desde este contexto AFECTO intentará provocar a través de diferentes comportamientos (o estados de movimiento) ciertos afectos que derivarán en sentimientos o en su contención.

El lugar de génesis para esta pieza es un texto poético del mismo autor de nombre “Canciones para no dormir”. Las acciones intentan lograr una imagen móvil del cuerpo afectado de una manera muy depurada en el resultado. Incluye la utilización de algunos vestuarios u objetos que permiten lograr, a un nivel interpretativo, la afectación del cuerpo y los diálogos generados a partir de las canciones seleccionadas. La pieza está pensada para un espacio íntimo en un horario nocturno, el espectáculo es para mayores de 18 años

Equipo
Creación y concepto: Nicolás Cottet & Sergio Valenzuela.
Performance: Nicolás Cottet & Sergio Valenzuela.
Textos y letra: Sergio Valenzuela.
Canción y Música: Miguel Torreblanca
Fotografía: Simón Pais.
Diseño web: Jorge Vargas.
Producción: Antonio González.

MUJER INSTALADA
(65 minutos aprox.)

Mujer Instalada es una obra o ejercicio escénico de una duración entre 60 a 70 minutos. Toma textos originales de "Mujeres Falsas" del propio director Sergio Valenzuela Valdés. La obra se genera desde el cuerpo y la palabra, pero su resultado es danza, teatro y performance, intentando borronear sus límites.

La obra instala el cuerpo y la voz de varias mujeres en seis hombres, pero la puesta en escena pone en crisis la ficción, el arte, la mujer, lo masculino, el teatro, la danza, la realidad, lo simulado y el cuerpo afectado. Cada función es una invitación a perder los límites de lo establecido.

Mujer instalada es un mix de diferentes soportes: primero desde la palabra, ya que toma la dramaturgia (teatro) y se exhibe por los intérpretes. El Segundo soporte es la danza a través de secuencias de movimiento y de un trabajo físico que inunda toda el espectáculo, como también el performance desarrollado en composiciones instantáneas donde la ficción se quiebra y el espectáculo se abre al público.

Mujer instalada no intenta contarnos una historia, sólo exhibir o instalar versiones de mujeres muy particulares. Un mundo femenino (madres, nanas, heroínas, modernas o enchapadas a la antigua, culposas o dispuestas a matar por sus ideales). El texto ya estabalece un quiebre teatral (la muerte del acotador y el propio autor como personaje) y desde ahí mujer instalada rompe la convencioanalidad del arte, la danza, el teatro y quizás dejarnos con una senasación de que todo es posible, una sensación de ruptura de los límites conocidos.

El ejercicio tiene como fondo musicalidades refinadas (piano, jazz) en constraste con un universo visual concreto (sin vestuarios de personajes, sin efectos o espacios vestidos).

EQUIPO

Dramaturgia, dirección y concepto: Sergio Valenzuela Valdés.
Creación e Interpretación: Carlota Bouquet, Eyal Meyer, Patricio Ovalle, Cristián Monsalve, Sebastián Yannucci, Sergio Valenzuela y Guillermo Cáceres.
Producción: Antonio González.
Vestuario: Margarita Valdés.
Diseño Gráfico: Jorge Vargas.
Fotografía: Simón Pais.
Música de Shirley Horn, Bach y Alberto Iglesias.

EL INTERPRETE

Foto: Fernando Zapata

El verbo ver es el punto de partida para EL INTERPRETE
El experimento toma dos cuerpos de hombres desnudos y fija en una parte de su cuerpo una cámara.
Es así que el cuerpo se transforma en un cuerpo lente o la cámara en una extensión o tercer ojo del propio cuerpo en movimiento ya que las cámaras proyectan en vivo lo que va capturando.
Nace de la investigación a partir de un ensayo homónimo de Sergio Valenzuela sobre la interpretación y sus posibles caminos. De esta investigación se obtienen dos resultados: un video danza de nombre “.ESTAR” y esta pieza corta.

Un cuerpo mirado.
El intérprete aborda una visión concreta del cuerpo en movimiento, ya que no intenta acomodar cuadros o composiciones en su grabación o acción de captura, sino que propone dos visiones de dos cuerpos en dos pantallas.
La cercanía de la cámara permite al espectador poder ingresar de una manera muy abstracta en el estado de movimiento que se genera o mejor dicho poder imaginar el flujo y los posibles movimientos que se realizan.

Con respecto a lo concreto, se intentan tomar decisiones estéticas con respecto al uso de los recursos en su forma natural, sin intervenir demasiado, no intentando generar una ficción, sólo abordarlo desde lo que hay, el cuerpo, el espacio, la luz, las cámaras caseras. La interpretación intenta no demostrar emociones, ni tampoco pretende ser simulada. Todo sucede y se vive así.

La acción se sintetiza en algo muy simple un traslado de un lugar y la manipulación entre dos cuerpos por una cantidad de tiempo. Lo interesante del producto es que abre en sus lecturas desde la utilización de las cámaras y los cables, como los cuerpos , la piel y el roce. Son elementos que conforman mundos sobre de los cuales no discurseamos, sino que aparecen y desaparecen dentro de la secuencia de movimiento entregándonos preguntas en torno al género, incluso el cuerpo como objeto mediatizado, mediado o transmediado, un cuerpo cableado, maquinal y por sobre todo jugando con el límite de exposición al que llega el intérprete al realizar una secuencia como ésta.

Ficha Técnica:
Concepto, dramaturgia y dirección:Sergio Valenzuela Valdés.
Creación y performance:Nicolás Cottet y Sergio Valenzuela.
Foto:Catalina Bartolomé
Canción “No se como decirte”: Carlitos Casella.

LA2DAPALABRA

2010-03-04T09:46:00.001-08:00

LA SEGUNDA PALABRA
(40 min. aprox)

Es una investigación en torno al movimiento a partir de la dramaturgia. No es una dramaturgia corporal sino un cuerpo intentando movilizarse a través de una palabra.
No es teatro físico ya que no trata de comunicar estados emocionales a través del movimiento. No es teatro ya que el texto sólo sirve como soporte estructural de la composición espacial y temporal. Es danza contemporánea o cercano a una instalación corporal móvil porque el lenguaje aparece desde la palabra pero su traducción es finalmente física.

“la2dapalabra” es el resultado del esfuerzo y el compromiso de un equipo que cree en la búsqueda de otras de formas de crear. El proyecto contó con el aporte de la Universidad Católica Silva Henríquez, y el patrocinio de Goethe Institut, el apoyo de Centro Cultural Matucana 100 y en sus inicios por la Biblioteca de Santiago.

Es un muro de 25 metros de largo, 8 intérpretes y la luz artificial de un auto. Elenco compuesto por actores y bailarines que se toman a los 8 personajes del texto y se fusionan en un muro de personas. 8 personas a punto de ser fusiladas o a punto de desaparecer en la masa. Individualidades sumadas a partir de 5 formas de construir una secuencia de movimiento a partir de una palabra.

La obra tiene una duración aproximada de 50 minutos y está basada en la obra de nombre “Mi tristeza es mi cuerpo” del propio director Sergio Valenzuela. Texto donde se cuenta las 3 posibles formas en que desapareció un hombre llamado “Pato” en la década de los 80. “la2dapalabra” no intenta contar la historia del texto sólo toma como mapa corporal cada palabra que aparece en el texto y desde ahí danzar. Inevitablemente existen textos, en la propia voz de los intérpretes y en la voz de Carlos Casella que nos guían y dan otro sentido a la memoria y al recuerdo.

La obra finalmente aspira a entregarnos un mensaje muy simple: vivir el aquí y el ahora, vivirlo con optimismo. Aprovechar el tiempo que nos queda.

Nombre: la2dapalabra.
Basado en “mi tristeza es mi cuerpo” de Sergio Valenzuela.
Dirección, coreografía y concepto: Sergio Valenzuela Valdés.
Asistencia Teórica: Pamela Caruncho Franco y Natalia Jorquera.
Intérpretes: Carlota Bouquet, Tatiana Pérez, Eyal Meyer, Orlando Alfaro, Felipe Beltrán, Antonio González, Felipe Vargas y Omar Morán.
Canciones y voz: Carlos Casella
Vestuario: Margarita Valdés.
Asistencia Gráfica: Antonia Hernández
Fotografía: Simón Pais.
Producción: Antonio González.

CALLEJERA VERSION

2010-03-04T09:45:00.001-08:00

CALLEJERA VERSIÓN.

“Callejera Versión” es una obra financiada por Fondart 2006 y que se presentó en diferentes azoteas de Santiago. El interés de este proyecto se centra en el traspaso de un texto dramático a una coreografía. Basada en el texto “Callejera” de Sergio Valenzuela Valdés que ganó el Concurso de Dramaturgia Nacional 2005 y que dirigió Paulina Urrutia para la Muestra Nacional en el Teatro UC en Noviembre del 2005.

Esta versión ha sido una constante eliminación dramatúrgica para poder encontrarse finalmente con los cuerpos. Esta metodología la hemos denominado: TACHAR. Tachamos el texto, para vaciarlo, vaciarlo de los personajes, las escenas, las emociones, incluso vaciamos el espacio y nos quedamos solo con el suelo (azotea). Esta es una obra que pretende el vacío sólo para encontrar el cuerpo. Cuatro cuerpos, de cuatro hombres en una azotea, de eso trata y eso fue lo que nos quedó:

“Cuatro hombres al borde de un espacio, de su cuerpo, de su género”

Los intérpretes son Felipe Beltrán, Felipe Vargas, Eyal Meyer y Orlando Alfaro. Actores y bailarines que nos llevarán a distintos estados y a diferentes lugares con el mismo paisaje de fondo: la ciudad en el atardecer.

Nombre: Callejera Versión.
Basado en “Callejera” de Sergio Valenzuela.
Dirección, coreografía y concepto: Sergio Valenzuela Valdés.
Asistencia Teórica: Pamela Caruncho Franco.
Intérpretes: Eyal Meyer, Orlando Alfaro, Felipe Beltrán y Felipe Vargas.
Músico: Esteban Anavitarte.
Canciones y voz: Carlos Casella
Vestuario: Margarita Valdés.
Diseño Gráfico: Andrés Fasani
Fotografía: Simón Pais.
Producción: Antonio González.

Proyecto Financiado por Fondart R.M. 2006.

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TRASLAXION.
INTÉPRETE

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CASA TEMPORAL
INTÉRPRETE

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TRAZO
INTÉRPRETE